动漫卡通发展历史巡礼

Animation 活泼,有生气的意思。例如: We could see how excited he was by the animation in his face. 我们从他脸上的神气就能看出他多么兴奋。

也有动画,动画片之意。

My animation,我的动画片。By this word, I associate another word ‘cartoon’, are they the same?

“动画片与卡通片是否是同义词?几经切磋得出答案,有些不一样!

原本动画(Animation)与卡通(Cartoon)是相同的,可自从一秒十五幅的制作方法打破了一秒二十四幅的传统后,就开始有所区别了。而后,日 本又在动画连续剧运用了一秒十五幅而实际只有五幅,用每幅再拷贝两次凑够每秒十五幅的三帧(幅)技术后,动画与卡通间的距离就真正拉开了。

两者相比,动画片的制作就比较严谨,以二十四幅的连续画面来构成—秒钟的画面,所以动作连贯而自然,与真实节奏相符。有些特殊效果还会增加每秒连续画面的幅数,象《狮子王》中辛巴与刀疤打斗的那段慢动作据说可达到每秒三十八至四十六幅!

而且所有背景中的人物、景物也仿真实情况运动,内容较卡通片更富有哲理性,在音乐及构图上尽量达到电影的完美。而卡通片的内容被潮流化,以娱乐为主,角色 造型简单而时髦有趣,动作表情夸张鲜明,某些镜头、构图常重复出现,在主体后的背景人物、景物并不仔细刻划,缺乏动感,色彩纯度高,以平涂为主,作品常长 达几十集,可制作周期短,推出快。

还不明白的话你只需比较一下《狮子王》与《篮球飞人》,《龙猫》与《加菲猫》等几部作品的情节与画面必能领悟其中的奥妙了。

另外动漫(cartoon或者有人用comic)是动画和漫画的合称。两者之间存在密切的联系,中文里一般均把两者在一起称呼为动漫,漫画动画片。

接触catoon一词,是在中学英文课本,介绍迪斯尼创始人如何发明米老鼠的文章。那么今天了解动漫卡通的发展吧。

作者:刘健

卡通的出现与早期发展

如果想了解什么是卡通, 那么就不妨先从“卡通”这个词的由来讲起。

卡通,是英语“cartoon”的汉语音译。对于这个词的词源,有两种不同说法:其一是说它来自法语中的“carton”(图画);其二是说它源自意大利语中的“cartone”(纸板)。

从卡通的词源上,我们就能够确切的获知,卡通作为一种艺术形式最早起源于欧洲。而在近代欧 洲,有两个促使卡通出现的重要历史条件:首先,资本主义萌芽的发展,壮大了市民阶层的力量,导致社会结构的重大变化。其次,自文艺复兴运动以来,自由开放 的艺术理念开始为社会所接受。这两个条件的相互作用,使得传统绘画走下了中世纪的神坛,日益接近平民的审美趋向,给以简御繁的卡通画提供了产生的社会基 础。同时,作为市民阶层表达自身要求的手段,卡通画也被赋予了更为广泛的政治内涵。

在十七世纪的荷兰,画家的笔下首次出现了含卡通夸张意味的素描图轴。而以法国人奥诺雷·杜米埃(1808-1879)为代表的讽刺漫画家,更是将政治卡通发展到了艺术的高度。时至今日,政治卡通依然是西方大众文化的重要组成部分。

在卡通艺术的发展史上,英国扮演了一个相当重要的角色。众所周知,英国是最早建立现代议会民 主政治的国家,同时也是最早进入产业革命的国家之一。民主政治的确立,保证了人民言论和出版的自由,为卡通艺术的发展提供了社会基础;产业革命的兴起,引 发了报刊出版业的繁荣,为卡通艺术的发展提供了物质保证。

早在17世纪末,英国的报刊上就已经出现了许多类似卡通的幽默插图,但是由于缺乏专职画家和 固定的艺术风格,因此还算不上真正的卡通画。随着报刊出版业的繁荣,到了18世纪初,出现了专职卡通画家,英国卡通的风格也逐渐定型。与同时期欧洲大陆的 幽默讽刺画相比,英国的卡通画较多的取材于社会风情,以幽默含蓄见长。

这一时期,比较有影响的卡通画家包括威廉姆·霍格斯(1697-1764)、詹姆斯·吉尔雷 (1757-1816)和托马斯·罗兰森(1756-1827)。这其中,霍格斯的代表作有《浪子回头》和《哈洛特漫游记》等,罗兰森则主要是创作了《辛 塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是,霍格斯等人的作品已经不再是传统的单幅画,而是发展成为了彼此关联的系列画,具备了连环画的雏形。

1841年,著名的《笨拙》(Punch)画报在伦敦创刊。这本著名的谐趣性期刊,在卡通发 展史上占据着显著的地位。事实上,正是这个刊物的供稿人、著名画家约翰·里奇和编辑马克·吕蒙首次将幽默讽刺画正式命名为“卡通”。同时,这本刊物也是传 统的卡通画向连环画过渡的重要桥梁。在早期的《笨拙》画报上,就已经连载了许多与连环画的概念相近的作品。而约翰·里奇绘制的《布瑞克先生历险记》,更是 具备了众多连环画的构成要素。

十九世纪末,彩色印刷术的出现引发了出版业的一场革命。相应的,彩色漫画开始出现在人们的视野中。

1901年,著名出版商哈姆士·沃思,在并购了几家杂志的基础上,成立了联合出版公司(简称 “AP”),先后出版了《小精灵》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《丛林狂欢》等漫画刊物。另一位出版商亨德森,也推出了《乐趣无 穷》(1906)、《漫画天地》(1909)、《精思妙语》(1910)和《火花》(1918)等杂志。其它如“特莱普斯和霍姆士”公司出版的《烟火》和 皮尔逊出版的《大汇刊》等,都不同程度的介入了彩色漫画的出版与发行。这一时期,英国漫画期刊一个重要的变化,就是刊物的读者定位由成年人逐渐转向儿童和 青少年。而AP公司是这个趋势最大的受益者,他们成功的推出了“老虎提姆”的卡通形象,使其一跃成为孩子们钟爱的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了 不俗的销售业绩。另外,《老虎提姆》的作者之一福克斯·韦尔还创作了《小虎吉莉》和《河马小姐》等少女漫画作品。

与政治卡通和漫画相比,动画片的发展历程似乎更富有传奇色彩。如前所述,动画艺术是现代影视艺术的重要组成部分。然而,在动画和电影的“史前阶段”,两者却是合而为一的。直到摄影术发明之后,电影和动画才开始分道扬镳。

1895年,法国的卢米埃尔兄弟最先向公众展示了他们的“电影机”,并放映了《火车进站》、《海水苑》等影片。现代电影就此诞生。而第一部动画电影却是在十年后才得以问世。其中的部分原因是由于动画片高昂的制作成本。时至今日,动画片依然是需要高投入的文化产品。

1906年,在爱迪生实验室工作的布雷克顿(J. Stuart Blackton)制作了《滑稽脸的幽默相》(The Humorous phases of Funny Faces),这也是世界上第一部动画影片。此后,来自法国的埃米尔·科尔(Emile Cohl)进一步发展了动画片的拍摄技巧,并且先后制作了250余部动画短片。同时,他也是第一个利用遮幕摄影的方法,将动画和真人表现结合起来的先驱 者。正是因为科尔对于动画片发展的杰出贡献,他也被奉为当代动画片之父。

另一位对早期动画发展产生重要影响的是美国人温瑟·麦凯。他出生在美国的密西根州,早年曾经 靠给马戏团、通俗剧团画海报为生,后来成为了报社记者和漫画专栏画家。1914年,麦凯推出了一部剧情动画片《恐龙葛蒂》(Gertie the Dinosaur)。这部动画片的推出,改变了此前在动画作品中的纯艺术倾向,把故事、角色和真人表演等组织成为互动式的情节,取得了相当好的效果。而憨 态可掬的恐龙葛蒂,更是成为了名噪一时的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后,麦凯又制作了《露斯坦尼亚号之沉没》。这是第一部以动画方式制作的纪录片。

温瑟·麦凯的成功是具有象征意义的。他以自己作为漫画家的修养和积累,开创了一种重视角色的塑造、故事结构和通俗趣味的新型动画创作模式。在麦凯之后,美国的动画家们开始走上了一条与他们的欧洲同行截然不同的道路。一个属于新大陆的卡通时代就要到来了。

黄金时代的卡通帝国

在二十世纪上半叶,美国卡通艺术的发展水平居于世界的领先地位。而毋庸置疑的是,这种领先是全方位的。

早在1840年,波士顿的DC约翰斯顿公司就发行了名为《克赖斯帕》的单页画报,这可能是最早出现在美国的卡通作品了。此后,随着欧洲移民的不断涌入,原本流行于欧洲的卡通艺术也开始登陆美国。

1880年,美国报业大亨普利策在他的《纽约世界》报上增设星期日特刊,并在其中增加了卡通 专栏。此后不久,另一位报业巨头赫斯特也开始在自己旗下的《纽约杂志》和《美国幽默大师》等刊物上定期发表卡通作品。这意味着卡通作品在增加报刊发行量上 的作用,已经得到了广泛的认可。而上述两大报系的强力介入,无疑是给还处在幼年期的美国卡通注射了一针助长剂,自此美国卡通的发展驶进了快车道。

1895年,著名漫画家奥特考特(R.F.Outcault)创作的系列漫画《黄孩子》 (Yellow Kid)开始在普利策创办的《纽约世界》(New York World)上发表。但不久之后,奥特考特带着“黄孩子”一起跳槽到了赫斯特旗下的《纽约杂志》(New York Journal)。《黄孩子》系列最初的名称是“Hogan’s Alley”,故事的主人公是一个年纪在六、七岁,身着脏睡衣大脑袋,名叫“Mickey Dugan”的小孩儿。其实,这件睡衣在开始的时候是蓝色的。到了1896年,由于一项新技术的应用使人们能够轻易的将纸染成黄色,Dugan也就此换上 了黄衣。后来,奥特考特又在漫画里加上故事主人公的对白,使大家更容易理解故事主题。这也使得《黄孩子》成为了名副其实的连环画。由于“黄孩子”的形象已 经深入人心,精明的商人们便以这个形象为基础,开发了大量有关“黄孩子”的周边产品,其中包括玩具、塑像、广告招贴等。尽管“黄孩子”也经历了许多的波 折,但是在它首次面世后的第七年,即1902年,《黄孩子》系列终于出版了单行本。应该指出的是,《黄孩子》的成功不但促进了美国卡通漫画的发展,而且为 漫画作品的商业运作提供了经典范式。

在整个二十世纪初, 卡通漫画始终在寻找与美国文化的交汇点。在这个过程中,产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。不过,直到三十年代初,美国卡通漫画的黄金时代才真的来临。

对于“黄金时代”,有这样一个精辟的描述:美国漫画的黄金时代就是超级英雄在廉价画报上横行 的时代。众所周知的,诸如超人(SUPER MAN)、蝙蝠侠(BATMAN)、闪电侠(FLASH)、潜水侠(AQUA MAN)等众多的超级英雄形象都产生在这个时期。这些超级英雄的共同特点就是拥有健美运动员般的身材,常人无法具备的超能力,不断打倒邪恶又强悍的敌人, 拯救世界。而其中最具代表性和持续影响力的,恐怕就要算是超人和蝙蝠侠了。

《超人》的主角是一个来自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他还是一个婴儿的时候,便乘 坐太空船从氪星来到地球,并被善良的肯特夫妇收养。长大后,他开始发现自己拥有地球人不具备的超能力。为了掩饰身份,克拉克从偏僻的小镇来到了大都市,并 在《星球日报》担任编辑,从而结识了年轻貌美的女记者露易斯。从此以后,每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时,总会有一个披着斗篷、身着紧身衣的飞天 英雄及时显身,拯救那些陷入危机中的人们。不过,大多数情况下,超人的主要任务都是英雄救美。

《超人》系列最先在《动作漫画》(ACTION COMICS)第一期上发表,并迅速风靡全美。1939年1月16日,《超人》开始在报纸上连载。到1941年,已经有超过三百种报纸每日连载《超人》漫 画。而以“超人”为主题的动画片、电影和电视剧,更是在此后的半个世纪中层出不穷。毫不夸张地说,“超人”已经成为了一个时代的标志。

几乎是在超人取得成功的同时,“黄金时代”的另一位超级英雄蝙蝠侠也走入了人们的视野当中。

蝙蝠侠原名叫做昆布西,出身于一个显赫的富豪家庭。在他很小的时候,父母被歹徒所杀,因而变成孤儿,由管家抚养长大。长大后,他发誓为铲除罪恶而战。于是,他便成为了身着蝙蝠装的蒙面豪侠。除暴安良,制裁法律的漏网者成了他最重要的使命。

蝙蝠侠的故事最早出现在《侦探漫画》(DETECTIVE COMICS)的第二十七期上。与超人相比,蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人,这也正是他的魅力所在。而蝙蝠侠用于对抗邪恶的主要工具是各式各样的科技发明,其中最为著名的就是那辆万能蝙蝠车。

在黄金时代的众多超级英雄中,神奇女侠(WONDER WOMAN)可以说是一个“另类”。这不仅仅是因为它打破了此前男性对于超级英雄形象的垄断,更为重要的是,她的出现彻底重构卡通世界中两性秩序,使得女 性角色不再只是男英雄们的附庸,而真正成为主宰故事的主角。因此,当“神奇女侠”系列于1941年底在《全明星漫画》(ALL STAR COMICS)上推出后不久,便受到了众多女性读者的热烈欢迎。

漫画英雄的出现绝非偶然。事实上,它是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就 是所谓的“个人主义”。这是一种以崇尚个人奋斗和强调优先保护个人利益为要旨的文化。出于这种文化背景,特别是在三十年代的大萧条和二次大战给美国社会带 来剧烈冲击的情况下,人们欣赏和渴望“救世主”式的超级英雄,将他们看作是希望和力量的象征。因为在现实世界中找不到这样的人物,于是人们便转而在杜撰的 世界中寻求精神寄托。

在第二次世界大战期间,美国的社会经济不但没有被战争拖垮,反而获得了空前的发展和壮大。由于战争而激发出来的爱国主义成为了当时美国文化的主流。于是乎,漫画中的超级英雄们也纷纷投入了保卫国家、反对纳粹的战斗中。“黄金时代”也迈向了巅峰。

随着卡通漫画在美国社会中的影响力日趋增强,美国漫画的发展也逐步走向了多元化,出现了教育 漫画、科学漫画、西部漫画等新题材。与此同时,一味的追求利润最大化的商业炒作,使得美国漫画中的暴力、色情等不良因素激增,有的漫画出版物甚至赫然标明 “儿童不宜”。由此,漫画业成为公众和舆论抨击的焦点,并最终导致了“黄金时代”的没落。

1945年春,弗雷德里克·魏斯曼博士的《引诱无辜》一书出版。魏斯曼博士是一位在当时的社 会上相当有影响的知识分子,同时也是政界的知名人士。他始终坚信“充斥着暴力和阴暗内容的漫画,是助长青少年犯罪和社会混乱的根源”。虽然事后的调查表 明,魏斯曼博士的绝大部分论断都是缺乏事实根据的,但这本书的出版恰恰迎合了当时主流舆论对漫画业的广泛批评,因此立即得到了各界的支持和肯定。一时间, 漫画成为了超级禁书,人们时常用谈论毒品的口吻来谈论漫画。

1954年4月,美国联邦参议院青少年犯罪调查委员会针对漫画对青少年的影响问题举行公开听 证会,魏斯曼博士以证人的身份出席。他声称:漫画是玷污儿童纯真,引发少年犯罪的罪魁祸首,相对于漫画而言希特勒只是小儿科。“孩子们往往从四岁开始,就 遭受到漫画的毒害。”他甚至要求马上禁止漫画的出售。

虽然,这次听证会没有能够形成一个明确的结论,但是参议院最终还是要求颁发一个检查标准,杜 绝漫画中一切可能毒害青少年和败坏道德的内容。这其实就是在舆论上宣判了“黄金时代”的死刑。在参议院听证会后不久,漫画出版商们在1954年10月26 日成立了“美国国内漫画杂志联合会”,并制定了“联合会内部检查标准”,还要求在此后出版的漫画封面上明确标明限制等级。

这无疑是一个对美国漫画业具有深远影响的事件。由于这个多少有些矫枉过正的标准,此前畅销的 恐怖、警匪类漫画几乎绝迹;西部漫画中的牛仔们也不得不大幅收敛,肉搏和枪战的场面明显减少;甚至于搞笑动物漫画里的“暴力”举动也变得畏首畏尾。许多出 版社和漫画刊物因为发行量的急剧下跌而破产,大多数职业漫画家迫于生计压力也不得不转行。当然,像《美国上尉》的作者乔·西蒙这类少女漫画作家,也因为超 级英雄的缺席而一度走红。不过,从整体上看,美国漫画业还是因此而元气大伤,虽然日后有所恢复,但终究还是没能重振昔日雄风。

与美国漫画业一波三折的发展历程相比,同时期的美国动画业却始终保持着强劲的发展势头。而要回顾这段历史,就不能不提到沃尔特·迪斯尼和他的迪斯尼公司。

事实上,在沃尔特·迪斯尼之前,美国已经拥有了不少杰出的动画家,但是作为后来者的沃尔特却是真正促使美国动画业走向飞跃的人。因此,我们有足够理由认为“沃尔特·迪斯尼是动画史上的第一位大师”。

1923年,年仅22岁的沃尔特·迪斯尼告别了故乡堪萨斯,动身前往好莱坞寻求发展。那时的 好莱坞是一片创业的热土,而此时的电影仍处在默片阶段,至于动画片也只不过是摆在电影开演前的助兴节目而已。在那里,他白手起家,以仅有的3200美元注 册成立了“迪斯尼兄弟动画制作公司”。在沃尔特来到好莱坞的这一年,他完成了自己的第一部动画作品——由真人和动画人物合演的无声动画片《爱丽丝在卡通 国》。

在好莱坞的最初几年中,迪斯尼和他的公司渐渐的站稳了脚跟,但是在1927年沃尔特遭受了他 事业上的第一个沉重的打击。这年,他创作的第一个广受欢迎的卡通人物“幸运兔奥斯华”被发行公司用欺骗的手段夺走,公司因此几乎陷入绝境。恼火而无奈的迪 斯尼踏上了返回故乡堪萨斯的列车。然而,正是在这次返乡的旅途中,沃尔特的头脑中出现了一只活泼可爱的小老鼠。后来,沃尔特的夫人给这个崭新的卡通形象取 了个响亮的名字“Mickey Mouse”!这就是日后享誉世界,为各个国家的儿童所喜爱的卡通明星——米老鼠。

米老鼠的出现,固然为迪斯尼公司提供了一笔巨大的无形资产。然而,要使米奇和他的伙伴们成为人见人爱的超级明星,迪斯尼公司还必须有新颖的制作理念。而新理念的核心就是重视剧情的设计和不断创新。

在迪斯尼之前,动画片作为普通电影放映前的垫场节目,往往只看重视觉效果而不太注意故事情节 的安排。迪斯尼的米老鼠系列则反其道而行之,在制作的初期就对作品的情节进行周密的安排,让短短七八分钟的小片子变得非常引人入胜,再加上制作精良的画 面,迪斯尼的动画片一下子就甩掉了几乎所有的竞争对手。

除了先进的创作理念,对创新的敏感是迪斯尼的另一张王牌。20年代中后期,电影告别了默片时 代,有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐的察觉到了变革的来临,开始尝试制作有声动画片。1928年11月18日,作为电影史上的第一部音 画同步的有声动画片,《汽船威利号》在纽约市的殖民大戏院隆重首映,并取得成功。到了1932年,迪斯尼又推出了第一部彩色动画片《花与树》 (Flowers and Tree)。除了预料之中的轰动之外,它也为迪斯尼赢得了奥斯卡动画短片奖。五年后,即1937年,迪斯尼耗费数年时间精心打造的第一部全动画卡通剧情片 《白雪公主》(Snow White and the Seven Dwarfs)上映。这是一部划时代的动画片,具有里程碑的意义。而且因为这部作品所取得的巨大商业成功,使得迪斯尼的制作计划开始向长片倾斜。紧接着, 在1940年里,迪斯尼公司连续推出了《木偶奇遇记》和《幻想曲》两部动画长片。其中,《幻想曲》更是被视为现代动画片的经典之作,推出伊始便获得了广泛 赞誉。在不断推出新作的同时,迪斯尼的卡通明星阵容也不断扩充,除了米老鼠之外,米妮(Minnie)、布鲁托(Pluto)、高菲(Goofy)和唐老 鸭(Donald Duck)等新形象也陆续出现在了迪斯尼的动画片中。伴随着不断涌现的优秀作品和卡通明星,迪斯尼公司终于在40年代初确立了它在卡通帝国中的霸主地位。

对于整个美国动画业而言, 迪斯尼的成功具有巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩展,许多新动画公司如雨后春笋般纷纷成立,此时的好莱坞已经是全美、乃至全世界动画业的中心了。 凡·伯伦制片厂(Van Beuren Studio)就是这些新动画公司中的一员,在他的旗下同样聚集了一批优秀的青年动画家。在30年代后期,这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆猫和杰瑞 老鼠》(Tom and Jerry),并获得成功。另一家有影响的动画制作机构是华纳制片公司在1934年创立的动画部,主要作品包括:《猪豆子》(Porky and Beans)、《达菲鸭》(Daffy Duck)、《邦尼兔》(Bugs Bunny)等系列动画片。与迪斯尼的米老鼠一样,它们也都是尽人皆知的卡通明星。

然而,在迪斯尼辉煌的成功里,危机也在悄然孕育着。成立之初的迪斯尼公司,以艺术和创造为信 条网罗了大批一流的动画人才。但是,随着公司的不断发展壮大,迪斯尼的艺术风格也逐渐趋于固定,迎合观众和市场的需求成为了节目制作的基础和前提。更重要 的是,迪斯尼的员工越来越感到,公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长,不满情绪开始在迪斯尼的内部蔓延。到了四十年代初,迪斯尼公司属下的动画家们 开始筹备成立工会,希望以此来与公司高层对抗,争取提高报酬。可是,高层的态度似乎要比想象中的更为强硬,由此也引发了一场旷日持久的“口水战”。最终, 许多公司的业务骨干负气出走,并合伙成立了“美国联合制片公司”(United Productions of America,简称UPA)。

虽然经历了许多波折,但是沃尔特·迪斯尼和他的公司依然是那个时代无可辩驳的成功者。今天的迪斯尼已经成为了世界性的“娱乐王国”,这也从另一个角度上证明了沃尔特的理想和成功是超越时代的。

总而言之,在这一时期,无论是美国的漫画业还是动画业,都取得了长足的发展。值得注意的是, 在这个发展过程中,围绕着卡通产品,美国的娱乐产业形成了一套完整的商业运作体系,实现了卡通自身发展的良性循环。而“美式卡通”也正是以此为基础,才得 以实现它在全球范围内的扩展,成为了一股不容小视的文化力量。

新浪潮的勃兴

在二战前后,虽然欧美卡通产品依然占据着世界卡通市场的主流,但是由于经济社会和大众文化的变革,卡通艺术在全球范围内的发展,也呈现出前所未有的全方位、多元化的发展态势。无可否认的是,一股卡通业的新浪潮正在兴起,并将席卷全世界。

就在美国卡通走上商业化道路的同时,欧洲的漫画家和动画家们似乎依然在坚守着他们固有的艺术理念。但即使如此,这一时期的欧洲卡通也绝不乏经典之作。

在德国,这一时期出现了一位具有世界影响的漫画大师埃·奥·卜劳恩。卜劳恩的原名叫做埃里西 ·奥塞尔,出生在德国萨克森州的一个偏僻小镇。后来由于工作变动的缘故,埃里西的父亲携全家移居到福格兰特山区的首府卜劳恩市。而埃里西之所以会用“卜劳 恩”作为自己的笔名,也是出于对这座城市的怀念。在1921年到1933年期间,埃里西以画家的身份发表了大量的卡通画,还为他的挚友、作家埃里西·卡斯 特纳的许多作品画过插图。然而,随着纳粹党的上台,德国的社会政治气候迅速右转。因为不满纳粹党的倒行逆施,埃里西创作了一些以纳粹党为讽刺对象的漫画作 品,结果招来了纳粹头子约瑟·戈培等人的忌恨。埃里西的漫画作品一度被查禁。

后来,因为当时的《柏林画报》需要一位能够画连载漫画的画家,负责此事的著名作家、出版家和 编辑库尔特·库森贝格博士便找到了埃里西·奥塞尔,希望能够由他来承担这项工作。最终,由于《柏林画报》的积极周旋,纳粹当局解除了对埃里西的禁令,但却 附加了一系列苛刻的审查条件,并且绝对禁止他的作品中出现任何与政治有关的内容。

尽管如此,埃里西还是在1934年到1937年期间先后完成了200多套作品,这也就是著名 的《父与子》系列漫画。在法西斯横行的岁月里,这套漫画作品宛如人性的绿洲,成为德国人民面对残酷现实生活时最好的心灵慰籍,因而赢得了许多人的喜爱。 《父与子》被誉为德国幽默的象征,其声望很快就跨出了国界。

1929年,比利时漫画家埃尔热开始创作《丁丁历险记》系列。从那时起直到1983年3月埃 尔热逝世为止,《丁丁历险记》先后完成了二十余卷。1986年,作为埃尔热生前未能完成的最后一部作品《丁丁和阿尔法艺术》出版,丁丁系列就此完结。评论 界普遍认为,丁丁系列的成功应该归结为作者对于将故事主线和真实背景有机结合的充分重视,因此埃尔热也被称为是“漫画新闻记者”。不管怎样,由于融合了纪 实风格和幽默风趣的创作元素,丁丁系列成为了漫画史上最杰出的作品之一,埃尔热也因此而步入了漫画大师的行列。

就在美国的动画家们尽情享受“黄金时代”的时候,欧洲的动画家们却依然执著于试验与艺术化的 道路。这从两者对于同步声音技术的运用上就可见一斑。在美国,人物声音主要用来展现角色的特征和个性;而在欧洲,声音效果却被用来作为实验的“素材”。事 实上,欧洲的动画家几乎将动画片中的画面和音效之间的配合发挥到了极致。这些有益的尝试与探索,极大地丰富了动画片的表现手法,对动画艺术的发展进步起到 了推动作用。但是,动画片毕竟是一种需要高投入的文化产品,如果没有完整的产业链条支撑就很难作大作强。随着美国动画片的大举进入,欧洲本土的实验动画也 逐渐的凋敝了下去。

也许没有人会想到,第二次世界大战的爆发给了欧洲动画业一次“中兴”的机会。由于大战的影 响,原本连成一片的世界卡通市场被分割成了若干块,客观上刺激了各国卡通业的独立发展。同时,因为许多国家的政府都把动画片作为战争动员和宣传的重要手 段,所以开始出现了以政府投资来扶植本国动画业发展的局面。

在战时的英国,新成立的“哈拉斯和巴契乐”动画公司受英国当局的委托,前后共制作了七十多部 支援战争的动画宣传短片。这些短片在英国各地的影院和剧场里放映,对鼓舞英国人民的斗志起到了积极的作用。类似的“战争动画”,也曾经出现在美国、日本这 样的参战国家里。战后,虽然不必再将动画片作为战争动员的手段,但是它依然是一种重要的宣传媒介,因而受到政府和民间机构的广泛重视。动画片作为一种媒介 被运用在公众关系、企业广告、文化教育,乃至政治竞选等方方面面。这使得欧洲的动画业找到了新的支点。

与西欧国家相比,东欧和前苏联的动画业稍显滞后,但却有着属于自己的风格和体系。亚历山大· 巴斯克金、布拉姆帕格姊妹等都是前苏联动画界的杰出代表。其中,布拉姆帕格姊妹在1925年完成《中国烽火》(Chinese on Fire),更是为中国观众所熟知。虽然有的西方评论家认为俄国的动画片过于刻板,但是从总体上看,前苏联的动画家还是从本国的丰富文化遗产中发掘了大量 优秀的素材,拍摄出了不少优秀的动画作品。

让我们再回到美国。在“黄金时代”末期出现的多元化的风格被新一代的美国漫画家所继承,从而产生了许多优秀的漫画作品。

1950年10月2日,美国著名漫画家查尔斯·舒尔茨(Charles Schulz)开始发表他的《花生》系列漫画(PEANUTS)。在那以后的五十年里,花生系列取得了空前的成功,先后被翻译成21种语言,在75个国家 的2600余家报纸上刊登过。漫画的主角小狗“史努比”更是成为了号称拥有“全球三亿五千万忠实读者”的超级漫画明星。《花生》的出现标志着美国漫画业中 新势力的崛起。类似的成功范例还包括吉姆·戴维斯和他的《加菲猫》系列。

随着时间的推移,“魏斯曼事件”的影响逐渐淡化,超级英雄的故事也开始回到美国人的生活当 中。1956年,在《秀场》杂志的第四期上,新一代“闪电侠”正是登场,从而标志着超级英雄的复归。自此之后,“黄金时代”的英雄们大都重出江湖,而新一 代超级英雄更是不断涌现,这其中包括在1962年登场的“蜘蛛人”(SPIDER MAN)、1974年首次亮相的“狼人”(WOLERINE),以及在90年代初出现“鬼面骑士”(GHOST RIDER)等等。然而,新时代的超级英雄们似乎再也无法找回他们昔日的“雄风”了。毕竟,“黄金时代”已经成为历史,人们对于英雄的渴望也已经逐渐消逝 了。

这一时期,美国漫画业发展的另一个突出的表现就是商业盈利模式的巩固。美国漫画业在20世纪 三、四十年代,就已经初步形成了“漫画作者→出版商→分销网(含专卖店)→读者”的商业运作模式。在战后,这个运作模式基本上没有什么大的变动,所不同的 是,销售网络的规模和对读者群的覆盖面有了明显的扩大。而一些原本不大介入漫画销售的普通书店也开始涉足漫画的经销.

如今,美国漫画业年的产值在23亿美元左右,虽然在绝对规模上还相当有限,但利润率相当可 观。以美国最大的漫画出版商马威尔漫画出版社(Marvel)为例,该出版社在2000财政年度销售总额为2.31亿元,而净收入总额却高达8890万美 元,占销售总额的38.9%。除了漫画期刊和图书出版以外,对于漫画周边产品的开发和知识产权的再开发(形象授权)也正在成为美国漫画业新的利润增长点。

战后的美国动画界,迪斯尼公司的霸主地位仍然无人能敌。在整个五十年代,迪斯尼公司先后推出 了《仙履奇缘》、《爱丽丝梦游仙境》、《小飞侠》等童话题材作品,不但延续了迪斯尼动画的口碑,而且取得了良好的票房业绩。不过,迪斯尼并没有为成功而陶 醉,反而不断摸索创新。他们先后推出了全真人演出的《金银岛》,以现实社会作为动画场景的《小姐与流氓》,以动物角色为主角的《101忠狗》,还有改编自 历史传奇的《石中剑》等等。在1964年,迪斯尼公司推出了真人表演与动画相结合的电影《欢乐满人间》,一举夺得13项奥斯卡年度最佳提名。这一切都表 明,迪斯尼仍然是一家拥有良好创新能力的动画企业。

在动画领域取得成功的同时,沃尔特又大胆的率领他的公司进军游乐场业。1955年,沃尔特在位于西海岸的洛杉矶,建立了世界上第一座主题公园——迪斯尼乐园。时至今日,分布在世界各地的迪斯尼乐园,已经成为了全世界热爱卡通的人们心中永远的乐土。

就在像迪斯尼这样的老牌动画企业坚持传统动画理念的同时,以UPA为代表的小型动画企业则开 始尝试“有限动画”的制作理念。他们不再追求类似迪斯尼动画片的那种高成本、大制作的华丽场景,转而采用低成本的制作策略,并通过故事情节的精心设计和音 响效果来弥补视觉上的不足。事实证明,这种前卫的理念是有价值的。特别是在电视作为崭新的大众传媒兴起之后,原本在电影院中放映的动画片,和其他类型的影 片一样受到了强大的冲击。而凭借着“有限动画”的理念,动画片开始逐渐适应电视节目的播出要求,进而成为各大电视台争夺收视率的王牌节目。随着电视动画片 市场的扩大,几乎所有的动画公司都把主要精力转向了电视动画的制作,电视机里的动画世界也因此而变得绚丽多彩。

到了二十世纪末,随着计算机多媒体技术的兴起,动画片的生产和制作面临新的革命。迪斯尼公司 再次充当了新技术的弄潮儿,推出一系列大制作的动画巨片,包括取材于安徒生童话的《小美人鱼》(1990)、根据阿拉伯古典名著改编的《一千零一夜故事》 (1992)、根据莎翁名著改编的《狮子王》(1994)、反映早期北美殖民生活的《风中奇缘》(1995),以及第一部全部采用数字技术制作的动画片 《玩具总动员》等等。这些动画大片的推出不但体现了迪斯尼驾驭新技术的能力,而且还引发了“剧场传统”的回归,人们不再守着家里的电视机而是买票到影院里 去观看动画片。这是电视取代电影成为最重要的动画媒体之后从没有过的现象。另一方面,以“梦工厂”为代表的业界新锐也在与迪斯尼的竞争中逐渐崛起,不断为 世界各国的卡通迷们奉上精美的“动画大餐”。

值得注意的是,近年来,一些非欧美国家的卡通业也正在获得长足的发展,其中最为典型的就是以 中、韩、日三国为代表的东亚卡通业的崛起。在中国,“中国学派”的出现,把民族文化与动画艺术有机的结合在一起,创造出一部部美轮美奂的动画精品,在世界 上为中国卡通界赢得了尊重与赞誉。韩国的卡通艺术基础相对薄弱,但是通过与日本卡通界的交流与合作,也逐渐建立起了自己的风格和影响。日本卡通业在经历着 半个世纪的高速发展之后,不但确立了独具特色的卡通风格,而且还建立了完整的产业链条,成为日本文化娱乐产业的重要组成部分。随着“全球化”的逐步推进, 日本卡通也正在以新的姿态走向全世界。

结束语

对现代卡通艺术发展历程的简要回顾,有助于我们把握其中的规律性因素。从宏观上看,现代卡通 艺术是一个系统的文化产业,它的发展与繁荣在很大程度上,取决于社会经济水平与大众文化消费观念。因此,如果一个国家的卡通事业希望取得快速发展——甚至 是赶超世界先进水平,就必须首先从建立完善的产业链条开始做起,逐步实现卡通产业投入与产出的良性循环。

卡通在中国的发展历史已经超过了一个世纪。但是,由于种种原因,中国卡通始终处于产业化的边 缘,没有能够实现产业发展的良性循环。值得欣慰的是,近十年来,中国的卡通业也正在朝着“产业化”和“良性循环”的方向发展。这让所有关心中国卡通的人都 看到了希望。然而,在这个发展过程中,中国卡通业也无可避免的要面对众多的新情况和新问题,而如何处理和应对这些新问题和新情况就成为了中国卡通业的当务 之急。

在这方面,当代日本卡通(从二战后到二十世纪末)的崛起,为我们提供了鲜活而生动的成功范 例。由于中日两国同属东方国家,在历史传统和文化环境上有着诸多相同或相似之处,而且中日两国的卡通事业都属于“后发型”,都面临着国外成熟卡通产品的激 烈竞争。因此,“日本模式”对于当今中国卡通业的发展有着更大的参考和借鉴价值。

日本卡通发展简史

1979年,《机器猫》被搬上屏幕,成为最受观众喜爱的电视节目之一,直到今天 还在播放。《机 器猫》对于中国小读者的影响也是巨大的,从《机器猫》80年代末登陆中国至今,随时可以从自己的百宝袋中掏出各式各样的宝物、爱吃馅饼、害怕老鼠的机器猫 一直受到孩子们的欢迎。而忠厚老实的野比、诡计多端的强夫、野蛮粗鲁的大胖,温柔可爱的静子,也成为中国小读者童年时代的亲密朋友。《机器猫》对于中国儿 童文学作家的创作,产生了巨大的影响。中国新老两代童话作家的诸多作品中,都带有摹仿该作品的许多痕迹。

1989年,藤本弘和安孙子素雄两人终止了合作,开始独立创作活动。他们仍然继续使用藤子不二雄这个给他们带来巨大荣誉的共同笔名。不过,他们在名字中加了一点区别:藤本弘用的是藤子·F·不二雄,安孙子素雄用的是藤子不二雄A。
70年代对后来的漫画创作产生巨大影响的另一部作品是《机动战士高达》。作品的时间设定在未来,内容讲述了一场长达百年的宇宙战争,主人公是在80、90年代的日本卡通中反复出现的人形作战兵器——“机动战士”。

这部卡通巨著诞生的20多年来,“高达”这个传奇的名字,风靡了万千动画迷,喜欢他的人永远都是有增无减,他的影响力遍布有日本漫画的每个角落,无论是 电视、电影、OVA、漫画、小说、CD、精品、模型、Card Game、RPG、Internet、电玩游戏都可以见到高达。

《机动战士高达0079》是高达作品中最早的一部,也是最为经典的一部,其后的《机动战士高达》的系列TV版动画在动画界的每个时期都是最热门的焦点,它派生出来 的相关的商品几乎支撑着半个动画工业。《机动战士高达》的凝重的历史观和英雄悲剧氛围一直是故事最大的卖点和令FANS最为之心醉的元素。虽然近年的 《W》、《倒A》系列备受争议,但依然无损《机动战士高达》在日本社会的巨大影响力。因为与“高达”这个名字有关的故事实在太多了,对于刚刚入道的新手高 达迷来说,要全面了解高达的世界是一件很不容易的事情。

松本零士的《银河铁道999》也是70年代涌现出来的一部卡通精品。松本零士1938年1月25日生于日本福冈县。1954年他上高一时,发表了处女作《蜜蜂的冒险》,获得“第一届新人王”奖。高中毕业后,他立志要当一位专业漫画家,来到东京,专画少女漫画。1960年前后,又向少年漫画挺进,用科幻手法绘制了《四次元漫画系列》。随后,他创作的《宇宙战舰大和号》、《宇宙海盗王哈罗克》、《1000年女王》等一系列大型科幻漫画问世,引起了巨大反响。1978年,松本零士的《银河铁道999》、《战场漫画系列》荣获第23届小学馆漫画奖;同年,“系列科幻漫画”获得第7届日本漫画家协会特别奖。《银 河铁道999》讲述了地球少年铁郎为了追求具有永恒生命的机器身体,和谜一般的美少女梅蒂儿乘银河铁道999列车在宇宙中历险的故事。作品探求的是生命与 永恒这一宏大的哲学命题,通篇弥漫着忧伤的情怀。每一位在少年时期读过这部作品的读者,都会被那列在深邃的空间中,挥发青春的时光,在追求中永不停止的 999银河列车,感动得落泪。这部作品也是笔者在少年时代阅读过的最为感动的一部卡通作品。

《雷朋三世》是诞生于这一时期的日本动漫的代表之作。它讲述了绅士般的特务雷朋和身怀绝技的朋友在世界各地的冒险故事。故事想象宏大,场景慑人,雷朋的冒险每每叫人想起007,故事至今仍是长拍长有,拥有大量的FANS。

永井豪于70年代初创作的《铁甲万能侠》讲述了少年兜甲儿驾驶万能侠和侵略地球的地狱博士的邪恶机器军团作战的故事。万能侠开创了日本玩具的新时代,被日本玩具界奉若神明,一切与此有关的产品都相应成为焦点。

1974年推出的第1期《铁甲万能侠》超合金玩具,当初出售时只卖1150日圆,到现在却炒到了100万日圆的天价。从这我们可以看出万能侠爱好者对它 们的狂热程度。 《小双侠》开创了日本Q版漫画(“无厘头”漫画)的先河。故事中的“小双侠”是宇宙时间巡逻中心的时间警察,在每一个故事中,他们都会出动前往某一个历史 时代,阻止恶魔党坐时间机器篡改历史。人物和情节轻松幽默,引发笑料无数。《小双侠》的表演形式是典型的漫画人物言行,大胆的Q版设计一直是广大观众群的 最爱,动画里的闲角配角,在动漫迷中也有一定的人气。

70年代涌现出来的动漫经典还有《红发少女》、《装甲骑兵》、《网球飞凤》《传说巨 神》、《忍者神龟》……这些作品大部分都是精品之作,每一部都有独立的系列和庞大的读者群。70年代的日本漫画几乎点击了漫画中的所有领域,从某种程度上 说,70年代的日本动画,无论在艺术上,还是在商业上,都达到了后来者难以启及的高度。

70年代世界经济的复苏,使日本的工业得到了异常迅猛的发展。日本在经济飞跃的同时,少年读者的精神生活需求得以剧增。另外,录像机的普及也使得OVA(原创录 像动画)制作量增加,动漫的覆盖面因为这一技术的进步得到巨大推动。从工作环境上讲,动漫从业人员的创作条件和空间也有巨大的飞跃。而60、70年代以来 持续不衰的动漫热潮,也在日本国内形成了一个固定的、庞大的消费市场。这一切,无不促使日本动漫由稳步发展走向彻底的成熟。

80年代至今的日本卡通,当以80年代的作品为重心,因为90年代到现在具有影响力的作品,基本上都是从80年代就开始创作的那些鸿篇巨制的延续。80年代初涌现出来的精品数量非常多。其中较为动漫迷熟知的有:80年代初出现的高桥留美子的《福星小子》、美树本晴彦的《超时空要塞》、高桥杨一的《足 球小将》,鸟山明的《IQ博士》、安达充的《TOUCH》……80年代中、后期出现的《圣斗士星矢》、《城市猎人》、《龙珠》、《机动警察》、《相聚一 刻》、《机动战士Z高达》等等。此外,宫崎骏的系列动画影片、大友克洋的《AKILA》、菊地秀行的《妖兽都市》等动画电影也都是本时期深具魅力的亮点。

宫崎峻(Ghibli)是手冢治虫之后最重要的一位漫画家,也是一位可以被认为是漫画之神的人物。他的作品摒弃漫画的商业性,将漫画的艺术性 推向了极至,是日本漫画史上第一位将动画上升到人文高度的思想者,同时也是日本三代动画家中,承前启后的精神支柱。宫崎在打破手冢巨人阴影的同时,用自己 坚毅的性格和永不妥协的奋斗又为后代动画家做出了新的榜样。有人将他和中国的金庸相提并论,认为他和金庸一样都是通过“低俗”娱乐形式,传达思考者对人生、对世界的认识;两人在具有高度内省意识、不断否定自身思想的同时,又坚持以本国文化为作品精神内核。宫崎骏的代表作品有:《风之谷》、《天空之城》、《龙猫》、《魔女宅急便》、《红猪》、《幽灵公主》和《千与千寻》。
和手冢治虫一样,宫崎骏的动画生涯也是从“东映动画”开始,1965年秋,宫崎为高田导演的《太阳王子华伦斯的冒险》一片担任场面设计原画,这是两人合作的开始,同时也是宫崎动画生涯的第一步。

1982年,经过多年等待,宫崎终于有机会向世人完整表达自己:他的卡通巨著《风之谷》于这一年开始在德间书店Animage杂志上连载。这是一部充满对战争、对人类文明反思的漫画“荷马史诗”,它讲述了人类文明损毁千年后,风之谷的公主娜乌斯佳身上发生的种种艰苦战事。《风之谷》前后断续连载了12年, 这12年里,故事情节也发生了种种变化,主题从单纯的环保渐渐到对单纯环保发生怀疑,究竟是生存重要还是爱护环境重要呢?宫崎眼中,人是自然的对立面,两者不可调和。故事情节的变化实际也是宫崎的思考历程。这一主题在后来的《幽灵公主》中得到更进一步深刻展示。

也是在这一年,宫崎与另一个影响他一生的人——德间康快相遇了。德间作为全日本最大书店总裁,他敏锐地意识到宫崎的才华,并资助宫崎、高田两人创办工作 室。1984年3月在德间资助下,剧场版动画电影《风之谷》上映,宫崎、高田组成二马力工作室,也即是Ghibli前身。1985年Ghibli工作室正式成立,开始制作《天空之城》。翌年,该片问世,获得很高声誉。宫崎峻作品的风格,也初见雏形。
Ghibli工作室坚持使用质朴的动画语 言,在日本动画史上不断创造“草根”奇迹。由于它从不以盈利为前提,而且“痛恨”当时风行的粗制滥造动画TV长剧,因此,Ghibli几乎就是*精工细制 的剧场版活着。Ghibli为追求作品的高品质,基本不外接漫画改编,长期依*宫崎和高田两人从剧本、原作到动画电影,一步到位地工作,连漫画出版都跳跃 掉。这在保证质量的同时,其实也是在跟钱过不去。所以,在很长的一段时间里,Ghibli工作室在创造了高额利润的同时,保持着穷人的身份。在《天空之城》之后,Ghibli同时制作了两部没有外星人、血腥战斗的回忆电影:《龙猫》、《萤火虫之墓》。《龙猫》(1988)选取战后日本质朴的 乡村生活为背景,讲述了一对小姐妹和代表自然精灵的龙猫之间的友情故事。宫崎骏倾出全部对大自然的热爱创造出真实、美丽的朴素田园生活。片中多处景色抒写 让人想起唐诗和中国山水,该片甚至囊括了该年度最佳摄影大奖。《萤火虫之墓》则是高田对战争的反思和控诉,其人文力量具有直透人精神骨髓的深度和力度。

这两部片子为工作室带来巨大荣誉的同时,也为他们带来了巨大的债务,幸好,商人主动上门请求将龙猫形象制作为玩偶出售。龙猫多年来的热销意外地弥补了Ghibli高额亏损。大概出于感激,GhibliStudio选择了龙猫作为工作室标志。后来,争气的《龙猫》还在美国售出了数量惊人的录像 带。
1989年,探讨少年成长经历的《魔女宅急便》上映,这是Ghibli第四部作品,也是Ghibli成为票房保证的开始,它吸引了大约2.64亿名观众,成为日本当年度最卖座的电影。

1992年,宫崎骏开始转型,他撇开一贯的少年探险情节,选择了1920年的意大利为背景,以一只面临中年危机的猪面飞行员“波哥”作为电影《红猪》(红の猪)男 主角。实际上,猪脸孔的欧吉桑也是宫崎的自嘲,该片更像是自传,你在片中可以看到波哥充满自嘲的自述。在日本本土,“波哥”击败了《美女与野兽》和《虎克 船长》的好莱坞攻势,稳稳占据票房首位。虽然Ghibli从不因市场考虑制作所谓“国际口味”影片,但《红猪》还是在法国、台湾等地获得了成功的票房成绩。1997年《幽灵公主》(《MonsterPrincess》,日文名もののは姬)上映,宫崎担任该片导演、剧本、原作。影片推出后因过于操劳,宫崎骏一 度宣布退休。《幽》片选用日本中世纪室町时代为背景,描述人、神、魔三界之间争夺生存权的斗争。该片血腥的少女海报,已经预示《幽》将展现的残酷世界。《幽》片剧本酝酿16年,胶片总数多达13.5万张,另外,宫崎本人首次成功采用电脑CG上色为《幽灵公主》一片增色不少。当然,这位大师也趁机添置了天文数字价格的设备。幸好,《幽灵公主》成为日本当时有史以来第一卖座电影,Ghibli又一次改写了历史。

2002年,宫崎峻再创奇迹——他执导的动画片《千与千寻》获得了世界三大电影节之一的第52届柏林国际电影节的最高奖项“金熊奖”。这是继另一部日本电影《武士道残酷物语》(今井 正导演)于1963年获得该奖项以来,时隔39年后的第二次问鼎。在嘎那、威尼斯、柏林三大电影节上,动画作品获得最高奖也属首次,它显示出日本动画片在 国际范围内获得了相当高的评价,也表明了主流电影界对动画片的认可。另外,《千与千寻》自从2001年7月首映以来,截至2002年2月15日,其票房收入达到293亿3,600万日元,观众人数突破了2,267万,打破了由宫崎峻自己执导的另一部动画片《幽灵公主》所保持的票房纪录,也刷新了日本电影界的票房收入记录。 《千与千寻》描述了一位任性娇气的小女孩千寻在幻想世界里的冒险经历:她和父母不小心迷失在欲望之都–汤婆婆的家中。父母因为禁不住食物的诱惑而变成了 猪,千寻的名字也被汤婆婆偷走,变成了游离在世界之外,没有来由的“千”。“千”为了找回自己和拯救父母,开始经历种种磨难。渐渐地千学会了忍耐(毫无怨 言地做着汤婆婆安排的苦工);学会了尊敬(帮肮脏的罗神洗去身上污垢)、善待常人(让无根漂泊的蒙面人有一个躲避风雨的所在);培养了诚实的品德(帮白先 生归还了他偷来的宝物);找到了属于自己的爱(为白先生找回失落已久的名字);实现了自己的诺言(让父母重新变成人)。与宫崎骏前20年创作的主题不同,《千与千寻》里没有战争,没有田园的回归,没有人与自然的交锋,讲述的是一个单纯的关于成长的故事。宫崎骏以东方固有的美德完成了主人公一次奇异的成长礼。柏林电影界的评审团对该影片的评论是:“将少女的成长过程用丰富的想象力和高度的表现力描绘得淋漓尽致。”影评论家佐 藤忠男认为,虽然宫崎骏导演的作品是面向儿童的,但大人们看了也同样深受感动,这显示了作品高度的艺术性。
如果说宫崎峻是日本艺术动画片的代表,那么,鸟山明则是80、90年代日本商业动漫的扛鼎人物。(鸟山明也对中国卡通产生了巨大的影响。90年初,他的作品《龙珠》和车田正美的《圣斗士星矢》进入中国时在大陆掀起了漫画狂潮。)鸟山明1955年4月5日(清明节)生于日本爱知县,小时候的鸟山明就特别爱画《铁臂阿童木》中的机器人。 1978年,鸟山明在《少年跳跃》78年第52期上发表了处女作《不可思议的岛》。
1979年,他又发表了几部短篇作品:《不可思议的岛 Ⅱ》、《海拉渡假岛》、《女行警番茄》,其作品风格逐渐形成。1980年,他的长篇作品《IQ博士》(又名《阿拉蕾》、《天才博士》)在《少年跳跃》开始 连载,由于其故事幽默可乐,引起了读者极大的兴趣。1981年,《IQ博士》被制作成动画,阿拉蕾常说的那些不规范的地方话一时成了大街小巷的流行语言, 阿拉蕾的形象也被印制在各种商品上,日本人把这一年称为“阿拉蕾年”。在《IQ博士》连载的日子里,鸟山明还发表了一些短篇作品,如: 《POLA&ROID》、《PINK》、《骑龙少年》等,都十分有趣。1984年,长达285回的《IQ博士》连载结束。三个月后,鸟山明的惊世巨作《龙 珠》开始连载,这部长达519回的作品,在《少年跳跃》连载了整整十年!
《龙珠》讲述了一个带有很强的RPG色彩的传奇故事:传说世界上 有七颗龙珠,只要能收集起来就能满足发集者的任何愿望。以孙悟空为中心的一大群朋友在冒险中成长,为了修炼更好的武术,孙悟空随龟仙人学习,参加一次又一 次的武术大会,并消灭了妄想控制世界的红带军团和短笛大魔王。其后故事慢慢地变成了保卫地球、宇宙和平的战斗,孙悟空和朋友以及对手也在战斗中越来越强 大,到了后来,几乎发展到打个喷嚏就可以毁灭地球的地步。1992年是《龙珠》发展的鼎盛时期,在它的影响下,整个东南亚形成了一个声势浩大的漫画热潮, 而作品中的“气、冲击波、战斗力”,几乎成为当时街头少年们无时不刻挂在嘴边的口头禅。本作是推动我国漫画发展的最重要的一部作品,目前漫画界还没有一部 作品能出其右。
80、90年代,故事题材的多元化、商业上的屡屡成功、OVA(原创录像动画)的批量生产,使适应各类层面观众的市场发展成熟起来。日本漫画也由从前少年 漫画和少女漫画的简单分类中发展出更为细致与多元化的类别。现在的日本漫画至少可以分出以下类型:技击类、体育类、少女类、科幻类、历史类、言情类、侦探 类、政治类、商业类、色情类等等。
技击类漫画代表性作品有:原哲夫的《北斗神拳》、车田正美的《圣斗士》、富坚义博的《幽游白书》等等; 体育类漫画代表作品有:井上雄彦的《篮球飞人》、高桥阳一的《足球小将》等等;少女类漫画代表性作品有:五十枫优美子的《小甜甜》、桂正和的《电影少 女》、CLAMP的《圣传》、《X战记》等等;儿童题材类漫画有:《蜡笔小新》、《樱桃小丸子》等等;科幻类漫画代表性作品有:大友克洋的《阿基拉》、士郎正宗的《苹果核战记》、桂正和的《DNA2》等等;历史类漫画代表性作品有:安彦良和的《大国主》、大和和记的《源氏物语》等等;言情类漫画代表作品 有:柴门文的《东京爱情故事》、神尾叶子的《流星花园》等等;侦探类漫画代表性作品有:佐滕文也的《金田一少年事件簿》、青山刚昌的《名侦探柯南》、北条 司的《城市猎人》等等;政治类漫画代表性作品有:池上辽一的《圣域》等等;商业类漫画代表性作品有:弘兼宪史的《科长岛耕助》等等;色情类漫画代表性作品 有:《臭作》、《下级生》、《同级生》等等。另外,《福星小子》、《我的女神》、《机动警察》、《东京巴比伦》、《冒险海娜汀亚》、《美少女战士》、《乱 马1/2》、《罗德岛战记》、《天空战记》、《机动战舰》、《魔神英雄传》、《宠物小精灵》、《浪客剑心》、《幽游白书》、《机动战士高达ZZ、V、G、 W、A》系列、《新世纪福音战士》、《少女革命》、《青之六号》、《小孩子的玩具》等等,也是燃起整整一个时代的火热作品。90年代后期,一味的追求商业上的成功和最大限度地榨取剩余价值,使几乎所有获得成功的作品都无一幸免地被倾销般推向市场,也使雷同化题材不厌其烦地在每 个能赚取少年金钱的领域出现。能感动人和有趣的作品越来越少,出版社只能循环地“炒冷饭”。另外,电子游戏的冲击也是日本卡通疲软的一个重要原因。撇除商 业上的成功不讲,90年代后期日本动漫的精品可谓少之又少。
90年代后期,《少年跳跃》、《小学馆》杂志已难以重现全盛时期的景象。以往 在多本杂志连载的支柱故事逐一完结,富坚义博的《猎人X猎人》、尾田荣一郎的《海盗路飞》、荒木飞吕彦的《JOJO奇妙冒险》成了目前少年漫画作品最后的 防线。虽然动漫作品推陈出新速度不断加快,但虚无主义和表面化刻画人物的快餐式作品却以批量生产,令人满意的作品可谓少之又少。
踏入新世纪,日本本土热播的作品有《游戏王》、《最游记》、《卡片少女樱》、《猎人X猎人》、《犬夜叉》、《封神演义》等,但这些作品已难以再现70、80年代的辉煌。
同美国所谓动画大片,永远要教育观众点什么的儿童题材相比,日本动画发展更加多元化,更加成熟、深沉。这也就是为什么美国人一面高呼日本动画邪恶、复杂,画面过于专业不适合普通观众,一面又被通俗如《水手月亮》这样的日本动画打倒的原因。

美国的漫画制作大多是金钱堆砌,而一旦投资方转向,而第三代日本动画人蜕变完成,进入阿瓦隆圣地,全世界的观众可能都只有被牵着鼻子走的份儿。

1985年以来,由于日本多所动画学院的设立,而造成人才过多现象。于是大量人才外流美国,造成美国动画画技的突飞猛进。同时日本动画也开始在美 国电视上播放。由于日本动画风格完全不同于美国动画,因此受到美国观众热烈的支持。1987年更有全美第一种日本动画专门杂志《ANIMAG》在美国加州 大学柏克莱分校创刊。在香港,1987年《风之谷》、《天空之城》参加香港国际电影节后,由于动画便大量涌入香港,使香港掀起”动画旋风”。动画的唱片,CD、录景带和雷射影碟都和日本同步发行,在1988年七月时香港亦和日本合办了[香港第一届日本动画映展]。而台湾从1985年起,中视播出《超时空要 塞》、《机甲创世纪MOSPEADA》,而华视播出《超时空世纪ORGUSS》,吸引不少人进入动画的世界,使得动画在台湾逐渐受到重视。现在,台湾有了 动画专卖店,在市面上也可以见到动画录影带及各种动画附属品,在杂志方面也有了《先锋动画》及《神奇地带》等动画杂志。

国内的发展则相对缓慢,从80年代最早有日本动画的引进开始,十几年来只有少量日本动画片在国内电视台播放,而且迄今为止也没有到部日本的动画 电影在国内公映过,世面上极少看到动画的CD、录影带、VCD、及有其它周边产品,仅有的一些产品也种类单一,毫无选择余地,是否动画片对国内观众呢?显 然不是这样,好的动画片所引起的反应强烈,如近年在国内各电视台播放的《灌篮高手》,在黄金时间播放并创下收视高峰,一时间出现了《灌篮高手》周边产品在 市场上大卖的情形!磁带、VCD、海报、拼图、T恤、钥匙扣等等,说明国内不是展的条件,而是缺少思想观念的彻底更新,将动画当成一个全新的文化和市场来 看待。

 

 

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